Baltasar de Echave Ibía (Mexico, Nouvelle Espagne, ¿1583-84 ? - 1644) Couronnement de la Vierge Huile sur cuivre. 24,5 x 18,3 cm. Baltasar de Echave Ibía était un peintre important du début du baroque en Nouvelle-Espagne. Héritier du style maniériste de son père Baltasar de Echave Orio, Ibía se distingue par l'utilisation d'une palette riche en tons bleus, ce qui lui vaut le surnom de "El Echave de los Azules" (l'Echave des bleus). Ce tableau présente des similitudes avec d'autres œuvres de Baltasar de Echave Ibía, ainsi qu'avec l'école de Séville, à laquelle la famille Echave s'est référée à travers des gravures d'artistes tels que Francisco Pacheco et Murillo. La composition équilibrée, l'éclairage surnaturel et le traitement détaillé des visages renforcent l'idée que cette œuvre peut être attribuée à Echave Ibía. L'un des aspects les plus distinctifs du style d'Echave Ibía est sa palette chromatique, dominée par des tons bleus profonds, en particulier dans les vêtements de la Vierge Marie. Dans ce tableau, le choix d'un manteau bleu vif avec des broderies dorées est l'une des clés de l'attribution à cet artiste. L'utilisation du bleu dans l'œuvre d'Echave Ibía est à la fois symbolique et esthétique. D'un point de vue théologique, le bleu a été associé à la Vierge Marie comme symbole de sa pureté et de sa divinité. D'un point de vue pictural, Echave Ibía utilise exceptionnellement ce ton pour créer des contrastes avec les fonds dorés ou les tons chauds des anges et des figures célestes. Ce trait caractéristique du tableau se retrouve également dans *L'Immaculée Conception*, datée de 1620, conservée au Musée national du Mexique, où le bleu du manteau de la Vierge se détache sur un fond lumineux d'éclat doré. Les deux tableaux présentent d'autres similitudes, comme les éléments iconographiques, la lumière enveloppante et la riche ornementation du manteau. Par ailleurs, le tableau d'Echave Ibía *Saint Paul et Saint Antoine l'Ermite*, également conservé dans le musée susmentionné, partage avec celui-ci le traitement du paysage de fond, un fond dominé par des tons bleutés qui créent une atmosphère mystique et enveloppante. Enfin, la similitude entre les palettes de ces peintures et celle que nous avons ici renforce l'hypothèse de son attribution à Echave Ibía. Cette merveilleuse pièce de cuivre montre une utilisation magistrale du clair-obscur, avec une source de lumière émanant de la Vierge et de l'Enfant, qui sont entourés d'une lueur céleste. Cette technique de lumière est caractéristique de la nouvelle peinture espagnole du XVIIe siècle et est particulièrement visible dans l'œuvre d'Echave Ibía. Le modelage des visages est délicat et détaillé, avec une tendance à l'ovale et à la douceur des traits, en particulier pour la Vierge et les anges, une marque de fabrique de l'artiste, qui contraste avec la robustesse et le drame caractéristiques d'autres peintres de la Nouvelle Espagne tels que Sebastián López de Arteaga. Le tableau représente une iconographie classique du couronnement de la Vierge, où Marie est représentée montant au ciel, entourée d'anges, tenant l'Enfant Jésus dans ses bras et couronnée de gloire. Cette scène renforce non seulement la doctrine mariale, mais souligne également la hiérarchie céleste de la Vierge Marie en tant qu'intercesseur et reine du ciel, un thème très récurrent pendant la Contre-Réforme. La dévotion mariale a été vénérée par les Franciscains dès le 13e siècle, et a revêtu une grande importance pour l'ordre. Nous pouvons identifier le type iconographique adopté par les pères pour la représentation de la Vierge des Anges, image qui présidait l'église du couvent, connu sous le nom de Couvent des Déchaussés. La Vierge des anges est une variante d'une estampe qui circulait à l'époque, créée par le graveur néerlandais Cornelis Cort (1533/1536-1578) et publiée à Rome en 1574. Elle représente le thème de l'*Assomption et du Couronnement de la Vierge*, montrant sa figure debout, dans une attitude de prière, et entourée de deux paires d'anges qui la soutiennent et la couronnent. Cette composition a été successivement simplifiée dans les modèles du XVIe siècle, en concentrant l'attention sur la figure de la Vierge Marie. Cette petite pièce de cuivre exquise s'écarte légèrement de la représentation typique de la Vierge Marie, en la présentant avec un sceptre de reine et en portant son fils dans les bras, ce qui lui donne plus d'importance. Bibliographie de référence : - Arellano, F. (1988). 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