Giorgio MORANDI 1890-1964 NATURA MORTA, 1915 Huile sur toile signée et datée “1915” en bas à droite Au verso : ÉTUDE DE FEMME 67 x 54 cm (26,38 x 21,26 in.) Provenance : Collection F. Grosso, Turin Collection privée européenne Bibliographie : Vitali, 1964 (1ère édition), 1965 (2e édition), 1970 (3e édition), planche n° 20 Lamberto Vitali, “Morandi. Dipinti. Catalogo generale. Volumo Primo 1913/1917”, Électa Editrice, Milano, 1977, n° 24, reproduit Dans un article autobiographique paru en 1928, Giorgio Morandi expliquait que “jeune garçon, [il] éprouvait une grande passion pour la peinture, passion qui au fil des années est devenue toujours plus forte, au point de [lui] faire sentir la nécessité de [s'] y consacrer entièrement”. Né en 1890 à Bologne, il entre à l'Académie des Beaux-Arts en 1907 pour en ressortir en 1913 muni de son diplôme. Il dit lui-même que ce n'est pas son passage à l'Académie qui lui apporta le plus, mais davantage la lecture des critiques, des historiens, des journaux d'art et des monographies, et bien sûr le discours futuriste des peintres Carlo D. Carrà et Ardengo Soffici. Ces derniers l'amènent à comprendre la nécessité d'une rénovation complète de l'ambiance artistique italienne. Mais si Morandi écoute, il ne participera qu'à la première exposition des Giovanni Futuristi chez Sprovieri à Rome. Sans être jamais venu en France, Giorgio Morandi admire Paul Cézanne dont il voit les premières œuvres en noir et blanc dans le volume de Vittorio Pica sur les impressionnistes français (Bergame, 1908) ; il connaît aussi les œuvres récentes de Derain, Picasso ou Braque grâce à la revue d'avant-garde fondée par Serge Férat et Guillaume Apollinaire, Les Soirées de Paris. L'art italien l'intéresse tout autant puisque il se rend en 1910 à Florence au Musée des Offices où il admire les chefs-d'œuvre de Giotto, Masaccio et Paolo Uccello. En 1915, il est appelé sous les drapeaux mais termine son service militaire trois mois et demi après, à la suite d'une grave maladie qui le fait hospitaliser et réformer. A cette époque, il commence à enseigner le dessin dans les écoles primaires et garde ce poste jusqu'en 1929. Les premiers tableaux connus, datés des années 1910, révèlent un goût et une culture prononcés pour les artistes français, avec une préférence pour Cézanne ; ceux des années 1914-1915 appartiennent à la période où il montre le plus vif intérêt pour les milieux artistiques d'avant-garde. Elle reflète l'attention que l'artiste accorde aux expériences françaises et italiennes. Ainsi, cette Natura morta est construite selon deux angles de vues, se rapprochant des œuvres cubistes de cette époque. Morandi sort de la nature morte traditionnelle, c'est-à-dire de la représentation d'un ou plusieurs objets dans un même espace, pour la représentation de plusieurs objets indépendants rassemblés sur une surface, ayant chacun un angle de vue : ici, la pendule posée sur la table et la planche en retrait ne sont pas peints avec le même angle de vue. Ces objets génèrent ensemble un dysfonctionnement de l'organisation de l'espace, tel qu'on le retrouve dans les œuvres contemporaines de peintres français comme la Mandoline de Georges Braque. Le chromatisme, superbement choisi, uniquement dans les tons de gris, allant du gris perle, au gris foncé, passant par le gris taupe, quelques coups de pinceau plus foncés encore, noirs ou plus clairs, blancs, génèrent une harmonie rare. Une grande élégance habille cette œuvre, légèrement énigmatique, car plus on la regarde de loin, et plus la planche de bois ressemble au volet d'une fenêtre. Ainsi cette œuvre constitue l'un des jalons dans l'évolution générale de l'art pictural du vingtième siècle, qui renonce à imposer un sens de l'œuvre au spectateur mais qui lui laisse désormais le soin de le construire lui-même. Au dos, le portrait d'une jeune femme non complètement abouti. Cette manière de peindre donne à l'objet représenté des lettres de noblesse car on casse la notion primaire d'utilité. Par ailleurs, Morandi très attaché, on le sait, à la banalité des objets domestiques pour ses tableaux, - bouteilles, pains, bols, petits pots, etc. - choisit ici une pendule, objet qui n'a aucune fonction alimentaire et qui peut être aussi qualifié de rarissime dans l'œuvre de l'artiste. Nous la retrouvons seulement dans un tableau de 1914, la Natura morta con il piatto d'argento. Outre la pendule à moitié cachée par une planche de bois, Morandi place un plateau en argent, un compotier et quelques verres ou vases à cols longs. Ce tableau ne présente pas le même dysfonctionnement de perspective que la Natura Morta. En revanche, il porte en lui plus d'éléments de verticalité avec les cols de verres et de vases que Morandi va développer dans une autre nature morte, la Natura morta con portaorologio de 1915 frisant l'abstraction. L'expérience sera courte car les natures mortes des années suivantes, notamment celles des années 1918 s'aligneront sur une structure visuelle du programme de la peinture métaphysique. La Natura Morta de 1915 est tout à fait rare car appartenant à cette courte période dont l'artiste dit qu'elle lui fut très “bénéfique”. Elle l'amenait à considérer la simplicité et la sincérité des œuvres. De plus, seules deux natures mortes sont répertoriées aujourd'hui dans le catalogue raisonné de Lamberto Vitali pour l'année 1915, ce qui donne à la vente d'aujourd'hui un caractère tout à fait unique. Bibliographie : “Un demi-siècle d'art italien”, Cahiers d'art, 1950, I ; Lamberto Vitali, Morandi, Dipinti, Catalogo generale, I, Electa, 1994 ; 6 décembre 1996 - 15 février 1997, Paris Fondation Dina Vierny-Musée Maillol, Giorgio Morandi Giorgio MORANDI 1890-1964 NATURA MORTA, 1915 In an autobiographical article published in 1928, Giorgio Morandi explains that “as a young boy, [he] developed a great passion for painting, a passion that over the years has become increasingly strong, to the point that [he] felt the need to devote [himself] to it completely.” Born in 1890 in Bologne, he began his studies at the Academy of the Beaux-Arts until he received his degree in 1913. He himself said that it was not his Académie period that taught him the most, but rather reading the critics, historians, art magazines, and monographies as well as, of course, the Futurist teachings of Carlo Carrà and d'Ardengo Soffici. These painters helped him understand the need for a complete renewal of the Italian artistic scene. But although Morandi listened, he only participated in the first exhibit of the Giovani Futuristi at Sprovieri in Rome. Although he never visited France, Giorgio Morandi admired Paul Cézanne whose work he first saw in black and white in Vittorio Pica's book on French Impressionists. He was also familiar with the recent work of Derain, Picasso, and Braque through the avant-garde revue founded by Serge Férat and Guillaume Apollinaire, Les Soirées de Paris. Italian art interested him just as much; he visited Florence and the Uffizi Museum in 1910 where he admired masterpieces by Giotto, Masaccio, and Paolo Uccello. In 1915, he was drafted into the army, but finished his military service three months and a half later following a severe illness requiring hospitalization and a discharge. During this time, he began teaching drawing in primary schools, and continued doing this job until 1929. His first known canvases date from 1910 and reveal a pronounced taste for and knowledge of French artists with a preference for Cézanne. Paintings from 1914-1915 belong to a period during which he had a strong interest in the avant-garde artistic milieu. This period reflects the artist's strong interest in place of French and Italian experiments. Thus this Natura Morta is composed using two viewpoints similar to other Cubist works from this period. Morandi differs from the traditional approach to the still-life, that is, a representation of one or more objects in a given space, replacing it with a representation of several independent objects brought together on a surface but where each is seen from a different point of view. Here, the clock on the table and the board moving away from the viewer are not painted from the same viewing angle. Together, these objects generate a dysfunctional spatial organization similar to what was being produced by other contemporary French painters, such as La Mandoline of Georges Braque. The superb color scheme only uses grey tones from pearl grey to taupe grey to dark grey; a few brushstrokes of even darker colors, black or lighter, and some whites, generate a unique harmony. A wonderful elegance emerges from the faintly enigmatic painting. When observed from a distance, the board begins to resemble a shutter. This piece thus represents one of the milestones in the general evolution of pictorial art during the 20th century, where meaning is no longer imposed on the viewers. They are left free to create a meaning for themselves. On the back, the artist painted an unfinished portrait of a young woman. This style of painting ennobles the object painting as the primary concept of utility is dissolved. In addition, Morandi was very much attached to the ordinariness of the objects from daily life he included in his paintings - bottles, bread, bowls, little jars, and so forth. Here he chooses a clock, an object with no relation to eating that is consequently extremely rare in the artist's oeuvre. We see a similar object only in a painting of 1914, Natura Morta con il piatto d'argento. Aside for the clock, partially hidden by a wooden board, Morandi includes a silver plate, a fruit bowl, and several glasses and long-stemmed vases. The painting does not show the same degree of distorted perspective as in Natura Morta. On the other hand, it includes more vertical elements through the stems of glasses and vases that Morandi was to develop in another still-life, Natura Morta con portaorologio (1915) that is almost abstract. The experiment was of short duration, as the still-lifes painted during the following years, especially in 1918, were organized using a visual composition derived from the program of the metaphysical painting movement. Natura Morta (1915) is a very rare piece as it belongs to this short period of which the artist himself says it was very “beneficial”. It led him to consider the qualities simplicity and sincerity in his work. Furthermore, only two still-lifes have been recorded as of today in the catalogue raisonné by Lamberto Vitali for the year 1915, and thus the painting on auction today has a truly unique standing. Literature : “Un demi-siècle d'art italien”, Cahiers d'art, 1950, I ; Lamberto Vitali, Morandi, Dipinti, Catalogo generale, I, Electa, 1994 ; December 6th 1996 - Feburary 15th 1997, Paris, Fondation Dina Vierny-Musée Maillol, Giorgio Morandi.