Grand diptyque en ivoire sculpté avec restes de polychromie et de dorure représentant les scènes de la Passion. Trois registres par feuillet, lecture de bas en haut sur le feuillet de gauche puis de haut en bas sur le feuillet de droite : la Tentation de Judas et le Christ bafoué, la Flagellation et la Montée au Calvaire, la Crucifixion, la Descente de croix, la Mise au tombeau et la Descente aux Limbes. Les scènes sont surmontées de quatre arcatures trilobées pleines et de demi-arcatures à chaque extrémité. La Tentation de Judas et le Christ bafoué : à gauche, Judas tenant la bourse que vient de lui remettre un prêtre ; à droite, le Christ, les mains liées, entouré de trois tortionnaires, l'un, un couteau à la cein-ture, un autre le saisissant et le menaçant d'une massue un troisième le soufflète. La Flagellation et la Montée au Calvaire : le Christ, derrière une fine colonnette à laquelle il est attaché, est encadré de deux bourreaux armés de fouets ; sur la droite, le Christ, la croix sur une épaule, entre deux soldats. La Crucifixion : le Christ en croix, aux genoux très fléchis, entre Longin accroupi en prière et Stéphaton brandissant d'une main l'éponge, tenant de l'autre un seau ; à gauche, la Vierge entre deux Saintes Femmes ; à droite, saint Jean avec derrière lui un personnage coiffé d'un bonnet juif. La Descente de croix : Joseph d'Arimathie entoure de ses bras le corps du Christ tandis qu'un personnage bossu et courbé, muni de tenailles, retire les clous ; à gauche, la Vierge et, derrière elle, Marie-Madeleine et une sainte femme ; à droite, saint Jean tenant un livre et un personnage coiffé d'un bonnet juif s'appuyant sur un bâton. La Mise au Tombeau : le Christ est étendu sur le suaire dont les extrémités sont tenues par deux vieillards aux longues barbes ; Nicodème se penche, un linge dans une main, pour procéder à l'onction ; derrière, la Vierge, Jean et deux saintes femmes. La Descente aux Limbes : sur la gauche, le Christ devant saint Jean-Baptiste le Précurseur délivre Adam et Eve séparés du monde souterrain par une porte munie d'une vertevelle et sur laquelle repose un démon ; les Limbes sont symbolisés par une tête monstrueuse, la gueule de Léviathan, posée à l'envers emprisonnant les Justes non baptisés. La facture est assez libre, les attitudes souples et mouvementées avec certaines presque acrobatiques. Malgré un nombre important d'acteurs, les scènes restent lisibles et chaque personnage a sa gestuelle qui lui est propre. La polychromie et les rehauts d'or en partie encore visibles contribuaient autrefois à faire paraître ces représentations très vivantes et en souligner leur véracité. France, Espagne ou Allemagne, première moitié du XIVe siècle Hauteur : 20,3 cm Largeur ouvert : 21,8 cm Largeur d'un feuillet : 10,6 cm (quelques fentes et petits accidents, charnières en argent remplacées au XVIIIe siècle) Provenance : dans une même famille de la noblesse bretonne depuis le XVIIIe siècle Ce diptyque mettant en scène la Passion semble inédit jusqu'à aujourd'hui. Il est d'une facture fort originale qui n'est pas celle que l'on observe sur les œuvres des traditionnels ateliers parisiens du XIVe siècle : vivacité dans les attitudes, omniprésence de la dorure et de la polychromie, typologie particulière des têtes et des chevelures. Certaines postures sont en effet accusées parfois avec outrance comme chez les flagellateurs, les tortionnaires autour du Christ, les personnages de la Descente de croix ou ceux de la Mise au tombeau, jusqu'à l'étonnant pas de danse qu'exécutent Adam et Eve à leur sortie des Limbes, avançant une jambe loin devant, l'autre rejetée vers l'arrière. L'imagier a eu recours plusieurs fois à ce croisement particulier des jambes en ciseaux, que ce soit pour Stéphaton, un flagellateur, le souffleteur ou encore le bossu aux tenailles de la Descente de croix. Bien qu'en partie effacées, la polychromie et la dorure étaient visiblement abondantes sur ce diptyque. Les fonds des arcatures étaient rehaussés de bleu et de rouge, couleurs que l'on retrouve au revers de certains vêtements. Les carnations étaient relevées de rose comme en témoignent les restes sur les corps d'Adam et Eve, avec des points noirs pour les yeux et du rouge pour les lèvres. L'or quant à lui était largement utilisé, notamment pour la croix et les habits. Les fonds étaient exempts de couleurs et contribuaient ainsi à mettre en valeur les nombreux acteurs des saynètes et à rendre encore plus saisissant l'aspect dramatique de cette Passion. Enfin, la manière du sculpteur s'éloigne des canons adoptés par les ateliers parisiens. Outre cette sorte d'« agitation » qui anime les personnages, assez éloignée des scènes habituellement codifiées de cette époque, le style caractéristique des têtes est à souligner. Les visages sont souvent anguleux, parfois triangulaires ou même en lame de couteau, et les yeux particulièrement étirés. Les têtes de certains hommes barbus sont ainsi très typées, celles du Christ et de saint Jean-Baptiste notamment dans la dernière scène ou celle de la Mise au Tombeau. Les barbes sont également remarquables, Joseph d'Arimathie ou Nicodème arborant des barbes élégantes aux très longues mèches fortement ondulées. Bien que d'un style original, ce diptyque doit être cependant étroitement rapproché de celui de la Vie et de la Passion du Christ de l'ancienne collection Babouin, à présent au musée des Beaux-Arts de Montréal (fig.a). Vraisemblablement réalisés dans le même atelier, ils partagent de nombreux points communs et deux scènes sont pour ainsi dire identiques, comme celles de la Descente aux Limbes ou de la Mise au Tombeau. L'historien d'art Richard Randall dans son ouvrage sur les ivoires gothiques des collections nord-américaines établit une relation entre ce diptyque du musée de Montréal et plusieurs œuvres réunies autour du grand diptyque conservé en Espagne au Palais de l'Escurial (fig.b). Bien qu'appartenant au groupe dit des diptyques à décor de roses, cet ivoire présente en effet une abondante polychromie rehaussée d'or, ici bien conservée, qui rappelle celle encore lisible sur le diptyque présenté à la vente : les motifs identiques de quatre-feuilles et d'arcatures ornant le sarcophage ainsi que les chausses à traits parallèles portées par les bourreaux. La tête du prêtre barbu dans l'angle supérieur gauche comme la « forme presque triangulaire » des visages relevée par Koechlin participent également du même type physique. Randall situe le diptyque de Montréal au premier quart du XIVe siècle à la différence de Koechlin qui y voit une production tardive de la fin du siècle. Ils ne s'accordent pas non plus sur l'origine géographique, l'un suggérant une « imitation germanique », Randall le pensant probablement espagnol. Bibliographie comparative : Raymond Koechlin, Les ivoires gothiques français, éd. Auguste Picard réimp. 1967, T Pl. LXVII, n°258 et CXLVI, n° 823 bis, T II, pp. 112-113 et 302-303 ; Richard H. Randall, The Golden Age of Ivory - Gothic carvings in North American collections, New York, 1993, pp. 64-65, n°53