Hans HARTUNG « T-52-32 », 1952 Huile sur toile signée et datée en bas à gauche 50 x 65 cm Provenance : - Galerie Louis Carré, Paris - Collection particulière Exposition : « L'envolée lyrique », Musée du Luxembourg, Paris, 2006, reproduit pleine page couleur , page 127, sous le n°48, dans le catalogue de l'exposition Dès le début des années 1950, Hans Hartung fait figure de révolutionnaire. Il ne respecte plus la construction formelle et place l'harmonie du tableau sur un autre plan que celui d'une planéité classique. Ni cercle, ni carré mais la forme pure dont les vibrations intérieures sont animées par la vie du dessin. Fasciné par la ligne depuis sa découverte du cubisme, il joue du commencement et de la fin du trait, du passage de l'un sur l'autre, de son orientation, de sa couleur dans des contrastes épais et fins, longs, courts, souples et rigides accentuant l'effet dramatique des masses sombres. Hartung s'est toujours défendu d'avoir recours à la nature, il se veut purement abstrait et il l'est sans nul doute. Il est même l'un des premiers et des plus grands dans cette esthétique, mais sa grandeur vient aussi de ses émotions, de ses pulsions, ses humeurs, ses pensées et de ses fantasmes comme autant de lignes spasmodiques apaisées, lourdes et légères. Le geste prime l'idée. Hartung s'est expliqué à ce sujet, mais depuis la vision fulgurante d'un éclair zigzaguant, zébrant un ciel d'orage un soir de son enfance, il cherche inlassablement à conjurer les terreurs de la foudre à capter le flux de la vie, à la faire pénétrer dans le quadrilatère de l'œuvre, convaincu qu'entre la lueur de l'éclair et le son du tonnerre aucune forme n'existe si un mouvement ne se crée. Chaque trait, qu'on le veuille ou non, est le témoin de l'acte artistique, une tentative expérimentale de libérer le subconscient, d'aller plus loin que le visible. Chaque mouvement, chaque soubresaut, rupture, élan est l'expression emphatique du drame humain. L'amplitude même de ce registre émotionnel qu'il développe de tableaux en tableaux, va lui permettre d'éviter le caractère répétitif et la gestuelle vide dans laquelle vont s'enfermer peu à peu la plupart des autres peintres gestuels. Aucune image abstraite ou figurative ne parvient à épuiser l'idée d'une chose ou d'un sentiment, elle n'est qu'une partie de son scintillement, un fragment de son spectre, comme si l'image créée par Hartung dans un tableau comme celui-ci avait autant de faces qu'il y a de regards différents pour la voir. Ce tableau devient, par la volonté d'Hartung, et en dehors de lui tout à la fois, la somme de ses connaissances plastiques, de son métier, de son intelligence, de sa maîtrise mais, ce qui arrive rarement dans une œuvre, le reflet d'une perspective intérieure, sorte de miroir de son espace intime. Une fenêtre ouverte sur les profondeurs de sa mémoire. Ce retour vers soi le ramène au rythme fondateur de la peinture dont le but est de requérir notre présence dans une construction nouvelle de l'espace. Il se pourrait qu'en dehors des techniques, des outils, des connaissances une œuvre d'art soit un espace où l'homme n'est pas absent. Une peinture comme celle-ci alliant perfection chromatique et plastique affirme que le spectateur a sa place et son rôle à tenir afin que l'œuvre s'accomplisse sur un autre plan.