Henri Laurens (1885 - 1954) Tête de femme 1915 Gouache et pastel sur carton Signé et daté au dos : Laurens 1915 60,4 x 40 cm. Provenance : Collection particulière, Paris Monsieur Quentin Laurens a bien voulu confirmer l'authenticité de cette oeuvre. « … Les premières œuvres cubistes étaient pour moi une hallucination. Je ne les ai pas comprises tout de suite, mais je me sentais plein d'un trouble inexprimable, il s'en dégageait un miracle qui me confondait » (1) En 1915 Laurens rejoint enfin Braque dans ses recherches artistiques. Cette Tête de femme fait partie d'une série, de la même époque (fig. 1), où la stylisation cubiste laisse entrevoir les éléments constitutifs de la figure humaine : les yeux, l'arête du nez, un carré et un rectangle partiellement superposés pour la bouche, deux demi-cercles qui évoquent les oreilles, une sorte de frise de triangles contigus, stylisation de la chevelure. Il est d'ailleurs intéressant de remarquer que cette dernière solution artistique est reprise dans le domaine sculptural, quelques années plus tard (fig. 2). Son procédé est clairement décrit par lui-même : « L'intuition de départ est la description du visage par la combinaison asymétrique d'un rectangle et d'un triangle ou d'un ovale et d'un triangle, à l'intérieur desquels vient se placer, en oblique, le nez. » Le pointillé est un autre élément récurrent des Têtes de cette période. Déjà Braque avait eu recours à ce procédé, afin de donner à la toile une surface uniforme, impersonnelle. Dans l'œuvre de Laurens, le pointillé permet à l'artiste de souligner les ombres. Il s'agit par là de donner l'illusion de la profondeur sur une surface plane. La couleur, enfin : les tons utilisés dans cette série de dessins sont souvent sourds, la gamme chromatique est simplifiée, sur une variante de l'ocre. L'artiste subordonne la couleur à la nécessité de la représentation, comme si cette soustraction permettait de mettre en évidence l'indépendance formelle des éléments. D'autre part, on ne peut pas s'empêcher de voir un lien entre ces tons évoquant la terre et l'ocre et les éléments (carton, bois) utilisés pour ses reliefs. D'ailleurs, la critique s'accorde à affirmer que la plupart des Têtes de femme ont été conçues comme des études pour des reliefs. Un des plus connus est celui du Museum of Modern Art à New York (fig. 3), qui semble être la projection tridimensionnelle de notre gouache. En 1915, Laurens expliquait au marchand Léonce Rosenberg à propos du cubisme : « J'ai l'intention de monter aussi une figure entière, dans la même discipline : construction d'un espace à quatre points de vue bien déterminés, c'est-à-dire que l'on puisse regarder de quatre points opposés, ce qui donne je crois pour la sculpture cubiste un maximum de champ de vision. Et situer dans cet espace de qualité, les rapports de volume et de dimension de la figure ». (2) Il faut analyser notre dessin avec le même esprit de l'artiste, une tendance à penser de façon tridimensionnelle. Suivant cela, les quatre surfaces planes, beiges et noir, qui se trouvent derrière la tête, sont là pour définir les vides et les pleins dans la réalisation sculpturale. Par rapport à l'œuvre du MOMA, il y a juste eu inversion des couleurs de la partie droite : les deux parties pleines sont peintes en noir, les creux en beige. « Il est nécessaire que, dans la sculpture, les vides aient autant d'importance que les pleins. La sculpture est avant tout une prise de possession de l'espace, d'un espace limité par les formes ». Notre gouache, où les volumes s'engendrent les uns les autres, est un exemple réussi de cette démarche, où les vides comptent autant que les pleins, où le dessin assure à la figure la découpe d'un futur contour, et en même temps le modelé précis que devra prendre la forme taillée. (1) H. Laurens dans : J. Dupin, Les papiers peints d'Henri Laurens, Cahiers d'art n° 2, 1954) (2) Henri Laurens, le cubisme, constructions et papiers collés 1915 - 1919, catalogue d'exposition Pompidou, déc. 1985 - févr. 1986