"Jean-Pierre PINCEMIN 1944-2005 L'ARBRE AUX TOMBEAUX, 1999 Technique mixte sur toile signée et datée “1999” au dos 209 x 152 cm (81,51 x 59,28 in.) Provenance : Galerie Suzanne Tarasiève, Paris Collection particulière, Paris Exposition : Clermont-Ferrand, Musée d'Art Roger Quilliot, “Jean-Pierre Pincemin”, 19 mai - 26 août 2001, notre tableau est celui de l'affiche de l'exposition Barbizon, Galerie Suzanne Tarasiève, “Jean-Pierre Pincemin”, 19 septembre - 18 novembre 2001, reproduit au catalogue Toulouse, Fondation Espace Écureuil pour l'art Contemporain “Foreign Office”, 19 décembre 2001 - 16 février 2002, reproduit page 48 La Seyne-sur-Mer, Villa Tamaris, 20 septembre - 10 novembre 2002 Madame Françoise Pincemin a confirmé l'authenticité de cette œuvre En découvrant Mondrian et les processus minimaux de la géométrie de Vasarely, il retrouve la précision et la rigueur de la mécanique en robotique qui l'avaient absorbé pendant quelques temps. Mais ce rebelle ne peut longtemps se contenter de ce contexte de progrès linéaire en art. Rebondissant sur ses anciennes activités techniques, il peint, mais en délaissant le pinceau pour reporter sur la toile des empreintes de grillage et de tôle ondulée. Il est naturellement attiré par un mouvement artistique qui refuse les systèmes établis et prône un dérèglement des codes et des usages. En 1968, il se lie avec les artistes qui allaient former le groupe Support/Surface : Claude Viallat, Bernard Pagès, Daniel Dezeuse ou Christian Jaccard. Son travail d'alors, basé sur l'abandon du couple pinceau/châssis, est une déconstruction quasi-mécanique des éléments picturaux. Sa démarche, qui a pour objet de transformer la peinture en la faisant passer par des étapes successives, se veut une action anonyme, la simple mise en place d'un ordre chromatique : il découpe et colle des carrés, des losanges, des échelles de toile préalablement trempés dans un bain de teinture. Ces expériences le mèneront à réaliser des séries de toiles libres et fragmentaires - Les palissades, Les portails - construites sur la répétition quasi arithmétique mais aléatoire d'un module dans le but d'établir de subtils rapports de couleurs. La recherche d'un chromatisme sophistiqué, restera le fil rouge de son œuvre quelles que soient les étapes de son travail. Mais Pincemin est “un électron libre”. Il se méfie des théories qui intellectualisent l'art, rapidement il se dissocie de cette mouvance pour reprendre son vagabondage artistique. Il est interpellé par la simplicité de la peinture de Franck Kline - artiste Expressionniste Abstrait américain - dont l'apparente absence de savoir-faire semble avoir été propice à lever les inhibitions de Pincemin, artiste autodidacte guidé par la curiosité. Dans les années 1980, il réalise des toiles presque minimalistes. Ces constructions, organisées suivant un dessin orthogonal et un chromatisme sommaire, développent des rapports de couleurs sobres mais somptueuses qui évoquent le caractère austère et un peu froid des peintures de Le Brun admirées au Louvre. Pincemin passait alors pour un abstrait, il semblait n'accorder son attention qu'à la seule couleur et au silence de la peinture dans une manière qui n'est pas sans rappeler celle de Rothko et de Barnett Newman. Mais ce n'était qu'une nouvelle étape. Pincemin revient à la figure, mais il le fait tel un iconoclaste qui déferait l'image et la peinture, plutôt qu'il ne les ferait. S'inscrivant dans le comportement post-moderne des années 80-90, il aborde la représentation en puisant dans des références “tout azimut”, mais sans se priver de continuer à peindre des toiles abstraites, chancelantes, géométriques. La peinture de Pincemin est portée par une finalité qui progresse au fur et à mesure des moyens utilisés pour la mettre en œuvre, ses réalisations procèdent non d'un acquis mais d'une rupture. Il dit :“La nécessité de trouver des points d'appui pour le renouvellement des formes exige de l'artiste des qualités d'explorateur, d'abord ignorer la forme la plus communément employée par lassitude, ensuite par distinction dessiner autrement le paysage et connaître d'autres cartes…” Pour l'artiste graver c'est encore expérimenter un nouveau matériau, un nouveau support - les premières gravures étaient sur plexiglas, d'autres des aquatintes au sucre sur cuivre rehaussées… autant d'expériences propres à régénérer la peinture tout en la démantelant. Ses premières peintures étaient des applications - des empreintes de tôle ondulée, d'objets ayant la particularité d'être des réservoirs. Dans le cas de la gravure, on retrouve une technique liée à l'usinage qui satisfait le goût de l'artiste pour les gestes et les moyens mécaniques préservant une capacité de surprise. Les gravures comme les peintures sont marquées par un éclectisme de moyens et de sujets qui veut déconcerter le spectateur et qui se défend de condamner l'œuvre à l'immobilisme et à l'évidence. Pincemin : un artiste impossible à classifier selon les codes picturaux en vigueur. Dans son œuvre, nulle cohérence, la figuration cohabite avec l'abstraction ; il n'y a pas un style Pincemin mais plutôt son travail qui fait l'inventaire et dépasse largement les limites d'explorations techniques nombreuses et très libres. L'œuvre que nous présentons “L'arbre aux tombeaux” (voir lot 426) réalisée en 1999 inspira l'affiche de l'exposition “Jean-Pierre Pincemin” de 2001 à Clermont-Ferrand dédiée à son travail. L'affiche représentant cette œuvre sera le point de départ et la matrice d'une série de tableaux représentant ce même sujet, non sans rappeler une des dernières œuvres peintes par l'artiste “Arbre de la connaissance”, au contenu serein et méditatif. Les tableaux issus de la série aux arbres rouges connaissent des variations chromatiques suivant les humeurs de l'artiste, rendant ainsi l'original transformé voire méconnaissable. L'artiste en quelque sorte se copie et se double lui-même, l'issue de cette recréation de création en série et autocitation serait-elle alors une démarche introspective qui offrirait plusieurs vies à Jean-Pierre Pincemin… L'artiste déclarait qu'il avait toujours eu “une idée ultraperfectionniste de la peinture : une vision qui est très proche de celle de Véronèse”. Il précisait qu'il lui avait fallu dix ans pour apprendre à peindre et pouvoir faire un tableau. Il se disait “archiconventionnel”. Et déclarait vouloir “prendre des formes du XXe siècle, la géométrisation, ou même l'abstraction, et les dire dans un langage qui serait pratiquement celui du XVIe siècle”. Pour un arbre rouge…(symbolique selon “La Queste del Saint Graal”, récit anonyme vers 1225-1230) Ève, chassée du paradis, avait par mégarde, conservé dans sa main le rameau auquel était accroché le fruit défendu. Désirant le garder “en remembrance de sa grant mesaventure”, elle le replanta en terre. Il prit racine et donna naissance à un grand arbre dont le tronc, les branches et les feuilles étaient blancs comme neige. Les boutures qu'Adam et Ève prélèvent et fichent en terre produisent elles aussi des arbres de couleur blanche. Or un vendredi qu'Adam et Ève étaient assis sous L'Arbre de Vie, ils reçoivent l'ordre divin de s'unir charnellement. Honteux, ils hésitent. Mais Dieu les aide à surmonter leur honte en les plongeant dans l'obscurité. Ainsi Adam engendre-t-il et Ève conçoit-elle Abel le juste. Et lorsque l'obscurité se dissipe, il se produit une merveille : “L'Arbre, qui était auparavant parfaitement blanc, devient aussi vert que l'herbe des prés et tous les arbres qui naquirent de lui après l'union d'Adam et Ève étaient verts de tronc, de feuilles et d'écorce”. Ainsi l'Arbre demeura-t-il longtemps de couleur verte jusqu'à cet autre vendredi où Abel qui sommeillait sous cet Arbre même en gardant ses brebis fut tué par Caïn d'un coup de couteau. Il se passa alors une chose extraordinaire : “Dès qu'Abel eût été tué, l'Arbre perdit sa couleur verte et devint vermeil en souvenir du sang qui avait été répandu sous lui”."