Wassily KANDINSKY (1866-1944)* Épanouissement, 1943 Technique mixte sur carton, signée du monogramme et datée en bas à gauche 42 x 58 cm - 161/2 x 227/8 in. Mixed media on cardboard, signed with a monogram and dated lower left Provenance : Gilda Fardel, Paris Collection privée, Paris Expositions : Paris, Galerie L'Esquisse, 1944 Zurich, Kunsthaus, Braque-Kandinsky-Picasso, 1946, no 102 New York, Sidney Janis Gallery, 1948, no 26 Paris, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, 1972, no 65 Bibliographie : Inventaire de l'artiste : liste IV, no 717 Grohmann, p. 342; ill. 518, p. 392. Reproduit dans le catalogue raisonné de l'oeuvre peint de Hans K. Riethel et Jean K. Benjamin dans le Tome II sous la planche no 1154 Kandinsky a consacré sa vie à son projet utopique de la reconstruction à travers l'art d'un monde placé sous le signe de la spiritualité. D'après lui, “la peinture abstraite est, de tous les arts, le plus difficile, car il exige qu'on ait une sensibilité aiguë de la composition et des couleurs, et qu'on soit un vrai poète.” Kandinsky s'est posé ses règles internes à la peinture abstraite. D'après l'artiste, la création picturale ne suit pas des critères totalement flous. En revanche, son art est, comme un jeu formel, libre au sein des règles très strictes qui ne sont absolument pas choisies par l'artiste. Kandinsky l'affirme : “je ne choisis pas la forme consciemment, elle se choisit en moi-même.” Epanouissement fut réalisé lors de la dernière période de sa carrière, connue comme “la grande synthèse” et dans laquelle il rassemble tous les éléments utilisés précédemment. Suite à la dissolution du Bauhaus par les Nazis, Kandinsky quitte l'Allemagne en 1933 pour s'installer dans un petit atelier de Neuillysur-Seine. Là, bien qu'en contact avec Joan Miro, Piet Mondrian, Fernand Léger, il s'éloigne de la scène artistique parisienne, où son style Abstrait n'est pas reconnu comme les styles Impressionniste et Cubiste en vogue à l'époque. Comme il l'écrit à son ami Hermann Ruph en mai 1940, “Personnellement, je suis heureux d'être à Paris et de travailler avec la porte de mon atelier fermée…”. La vie calme et solitaire de l'artiste à Neuilly se ressent dans sa peinture qui rend peu ou pas du tout la réalité de la guerre. A la place, Kandinsky choisit des teintes douces et mélodieuses pour sa palette et des formes fantaisistes, aux lignes souples pour ses images. A partir de 1942, il se remet à travailler sur carton, panneau ou bois comme à ses débuts. De même, il utilise la gouache sur des plans noirs ou colorés, qui rappellent les “dessins colorés” créés de 1901 et 1907 illustrés par l'oeuvre Die Rosen présentée également dans ce catalogue. Les hiéroglyphes énigmatiques et bousculés du côté gauche de l'oeuvre sont autant de rappels de l'Afrique ou des Indiens d'Amérique. La synergie entre ces objets crée un mouvement et une énergie qui s'opposent aux immobiles blocs géométriques de l'arrièreplan, provoquant chez le spectateur une impression de légèreté mais aussi de spiritualité. Dans les oeuvres de Kandinsky, certaines caractéristiques sont évidentes alors que d'autres sont plus dissimulées, ces dernières se révélant progressivement à ceux qui font l'effort d'approfondir leur approche du tableau. Il choisissait ses formes, les harmonisait et les plaçait subtilement afin qu'elles aient une résonance particulière dans l'âme du spectateur. Kandinsky devoted his life to the utopian project of reconstructing the spiritual in the world using art. In his words, “of all art forms, abstract painting is the most difficult, for it demands that one has an acute sensitivity for composition and for colors, and that one is a true poet.” Having developed and laid out his own internal rules to abstract painting, the principles of pictorial creation were far from vague. On the contrary, Kandinsky's art was like a free form game governed by strict rules that were imposed upon the artist; as he himself asserted, “I do not consciously choose the form, it is chosen within me.” Our present work was completed during the last period in the artist's career, known as “The great synthesis”, in which he used all elements treated throughout his artistic areer. Upon the dissolution of the Bauhaus by the Nazis, Kandinsky left Germany in 1933 to settle in a small studio in Neuilly-sur-Seine. In Paris, although he met Joan Miró, Piet Mondrian, Fernand Léger and numerous other artists, Kandinsky remained rather aloof from the Paris art world, as his geometric abstract style was not recognized on the same artistic level as the fashionable styles of Impressionism and Cubism. As the artist wrote to his friend Hermann Ruph in Switzerland in May 1940, “Personally I am happy to be in Paris and to work with the door to my studio closed...”.1 The artist's calm, isolated lifestyle in Neuilly was demonstrated in his work, which gave little or no sense of the reality of the war. Instead, Kandinsky chose to integrate lyrical, pastel hues into his palette and introduce fanciful forms, biomorphic forms with supple and nongeometric outlines into his imagery. Beginning in 1942, Kandinsky no longer painted on canvas but used small canvas boards, cardboards and wood panels, as he had done during his early years. Likewise, he often painted with gouache on black or colored supports, which recalled the “colored drawings” created from 1901 and 1907, furthermore exemplified by another work by the artist, Die Rosen, that we are presenting today. In the present work, the toppling and enigmatic hieroglyphs on the left side of the work recall primitive African or Native American relics or perhaps pay homage to the artist's Russian heritage and the influence of Russian woodblock prints or luboks, on his oeuvre. The synergy of these objects create a symphony of movement and an energy against the stagnant, geometric blocks of color in the background that lend a light hearted yet spiritual experience to the viewer. In Kandinsky's works, some characteristics are obvious while certain touches are more discrete and veiled, the latter revealing themselves only progressively to those who make the effort to deepen their connection with his work. He intended his forms, which he subtly harmonized and placed, to resonate with the observer's own soul.