15. LUCIO FONTANA (1899-1968) Concetto Spaziale, [Teatrino] 1964-1966 signé et titré au revers peinture à l'eau sur toile et bois laqué signed and titled on the reverse waterpaint on canvas and lacquered wood 89.1 x 102.3 cm. 35 1/16 x 40 1/4 in. Réalisé en 1964-1966. Provenance Galleria Iolas, Milan Collection Moroni, Milan Centro Arte Internazionale, Milan Galleria Michelangelo, Bergame Acquis auprès de celle-ci par le propriétaire actuel Exposition Bergame, Galleria Michelangelo, Astratto e Informale, 1981, illustré sur la couverture en noir et blanc Bibliographie Enrico Crispolti, Fontana, Catalogo generale, Vol. II, Milan 1986, p. 613, n° 65 TE 79, illustré en noir et blanc Enrico Crispolti, Lucio Fontana. Catologo ragionato di sculture, dipinti, ambientazioni, Vol. II, Milan 2006, p. 799, n° 65 TE 79, illustré en noir et blanc Conservé dans la même collection familiale depuis plus de quarante ans et par conséquent n'ayant jamais été proposé aux enchères auparavant, Concetto Spaziale, [Teatrino], 1964 -1966, est un exemple remarquable des Teatrini (« Petits théâtres ») réalisés par Lucio Fontana au milieu des années 1960. Série créée entre 1964 et 1966, les Teatrini ont permis à Fontana d'explorer ses théories Spatialistes d'une nouvelle manière qu'il a définie comme « spatialisme réaliste ». Une partie intégrante du Teatrino est un cadre en bois laqué se découpant en formes organiques rappelant les arbres, les nuages et le paysage qui se soulèvent de la toile perforée d'une constellation de « buchi », emblématique. L'utilisation de plans décalés se traduit par une profondeur tangible et une perception de l'œuvre comme la scène de théâtre à laquelle le titre fait référence. L'œuvre se transforme, dépassant le médium artistique, ouvrant à la fois l'espace métaphysique et l'aspect sculptural de la peinture. Né en Argentine en 1899 avant de s'installer en Italie en 1905, Lucio Fontana a été profondément influencé par les avancées scientifiques de son époque ; c'était un artiste dont la philosophie personnelle dépassait les horizons de l'art contemporain. Pour Fontana, la peinture devait s'adapter aux nouvelles conditions d'exploration qu'il voyait dans l'accélération de la course à l'espace des années 1950 et 1960 : aller au-delà de la « surface » pour pénétrer dans une autre dimension. Survivant aux immenses turbulences de l'Europe de l'entre-deux-guerres, l'Œuvre de Fontana peut en outre être lu comme allant au-delà de la réalité – au-delà des horreurs et des histoires, événements et croyances partagées que la peinture avait si longtemps traditionnellement soutenus. Créés à une époque où l'artiste travaillait encore sur ses buchi (où il perce la surface) et ses tagli (où il l'entaille avec un couteau) et dans le sillage de sa célèbre série Fine di Dio ; les Teatrini, à l'instar l'œuvre que nous présentons, offrent un aperçu de l'intérêt continu de Fontana pour le ludique et le figuratif. Ils sont liés aux Ambienti, des installations performatives spécifiques aux sites qui sont des recherches dans l'espace réel où Fontana a manipulé la lumière et la perspective pour créer une expérience spatiale globale. Enfin, lesTeatrini serviront pour la scénographie d'un ballet à La Scala de Milan, que Fontana acheva en 1966. Les trous de l'œuvre que nous présentons forment un cercle sur un fond noir, rappelant une constellation dans le ciel nocturne ou une planète flottant dans l'étendue insondable de l'espace. Le processus de création du trou était tout aussi crucial et important - en perforant la toile, Fontana a pu s'affranchir des limites du châssis et de la toile et sculpter dans l'espace pur. « Je n'ai pas fait de trous pour détruire l'image. Au contraire, j'ai fait des trous pour trouver autre chose. » (L'artiste dans : T. Trini, « The last interview given by Fontana », W. Beeren & N. Serota (éd.), Lucio Fontana, Amsterdam & Londres 1988, p. 34). Les cadres laqués lisses des Teatrini peuvent être considérés comme un clin d'œil au pop art américain des années 1960, apportant aux œuvres une part de l'esthétique industrielle et consumériste idéalisée du Pop et séduisant le spectateur par leur beauté. Une fois captivé par le côté organique du cadre, l'œil est attiré par l'immensité des buchi, une sorte d'univers sans fin. Lucio Fontana est sans aucun doute l'un des artistes les plus importants et les plus influents du XXe siècle. Dans son travail, il a réussi à saisir, ou du moins à rendre visible l'espace infini situé juste au-delà de la portée de l'expérience humaine et de la technologie. Laissant un héritage qui a irréversiblement transformé les idées préconçues philosophiques et techniques de la peinture moderne, l'œuvre présentée est un exemple particulièrement élégant avec un monochrome noir « ton sur ton ». Le travail de Fontana est conservé dans des collections de musées du monde entier, notamment à la collection Tate, Londres, au musée Guggenheim, New York, au Museo Nacional de Bellas Artes, Argentine et à la Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea de Rome. Held in the same private family collection for over forty years and having never been offered at auction before, Concetto Spaziale, [Teatrino] from 1964-1966 is a sterling example of the Teatrini ('Little theatres') that captivated Lucio Fontana in the mid 1960s. Forming a series created between 1964 and 1966, the Teatrini allowed Fontana to explore his Spatialist theories in a new manner that he defined as 'Realistic Spatialism'. An integral part of the Teatrino is a lacquered wooden frame shaped into organic forms reminiscent of trees, clouds, and landscape that lifts itself off the canvas which in turn is punctured with a constellation of the artist's signature 'buchi'. The use of such staggered planes results in a tangible depth and perception of the work as the theatre stage referenced in the name. The work is transformed, going beyond the artistic medium, opening both the metaphysical space and the sculptural aspect of the painting. Born in Argentina in 1899 before moving to Italy in 1905, Lucio Fontana was deeply moved and inspired by the scientific breakthroughs of his day; he was an artist whose self-invented philosophy went beyond the horizons of contemporary art. For Fontana, painting had to adapt to the new conditions of exploration that he saw in the quickening Space Race of the 1950s and 1960s, namely: going beyond the 'surface' in order to break through to another dimension. Surviving the immense turbulence of Europe between two World Wars, Fontana's work can furthermore be read as going beyond reality – beyond the horrors and shared histories, events and beliefs that painting had for so long traditionally upheld. Created at a time where the artist was still working on his buchi (where he pierces the surface) and tagli (where he slashes it with a knife) and in the wake of his acclaimed cycle of Fine di Dio; the Teatrini such as the present work offer an insight into Fontana's ongoing interest in the playful and the figurative. They are connected to the Ambienti, site specific, performative installations that are investigations into real space where Fontana manipulated light and perspective to create an allencompassing spatial experience. Finally, the Teatrini would culminate in actual set designs for a ballet at La Scala, Milan, which Fontana completed in in 1966. The holes in the present work form a circle against a black backdrop, reminiscent of a constellation in the night sky, or a planet floating through the unfathomably vast expanse of space. Equally important to making the hole was the process of creation - by puncturing the canvas, Fontana was able to break free from the confines of the stretcher and canvas and carve in pure space. "I did not make holes in order to wreck the picture. On the contrary, I made holes in order to find something else." (the artist in: T. Trini, "The last interview given by Fontana", W. Beeren & N. Serota (eds.), Lucio Fontana, Amsterdam & London 1988, p.34). The slick lacquered frames in the Teatrini can be seen as a nod to American Pop art in the 1960s, giving the works some of the idealized industrial and consumerist aesthetic of Pop and drawing in the viewer by their seductive beauty. Once captivated by the earthly tactile shape of the frame, the eye is drawn to the vastness of the buchi beyond, a glimpse into an endless universe. Lucio Fontana is without doubt one of the most important and influential artists of the Twentieth Century. In his work, he managed to capture, or at least make visible the infinite space lying just beyond the reach of human experience and technology. Leaving a legacy that irreversibly transformed the philosophical and technical preconceptions of modern painting, the present work is an exceptionally elegant, black monochrome 'ton sur ton' example of one of the artist's most famous series. As is fitting for an artist of his calibre, Fontana's work is held in museum collections around the world, including the Tate collection, London, the Guggenheim Museum, New York, the Museo Nacional de Bellas Artes, Argentina, and the Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea in Rome.