Joan MITCHELL 1926-1992 MANHATTAN, 1979 Huile sur toile signée en bas à droite au crayon, contresignée au dos 61 x 50 cm (23,79 x 19,50 in.) Provenance : Collection yves Michaud, Paris Exposition : Paris, ARC, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Joan Mitchell, Choix de Peintures, 1970-1982, reproduit au catalogue non paginé Joan Mitchell fait partie de la seconde génération de l'expressionnisme abstrait, dont elle a gardé le goût pour le travail à l'huile sur toile, le sens de la matière picturale et du geste. En conservant la facture de l'action painting, sa peinture traduit l'émotion ressentie au contact de la nature, du paysage remémoré. Elle s'intéresse très tôt au thème du paysage et l'étudie à travers les œuvres de Cézanne, Van Gogh, Kandinsky et Matisse conservées à Chicago et ce sera au moment où elle s'installera à New York qu'elle s'intéressera de façon plus intime aux artistes représentant le mouvement expressionniste abstrait, en particulier par l'œuvre de Gorky, De Kooning, et Kline. Au cours des années 60, l'illusion, le faux-semblant de l'image cède place à la matérialité physique du tableau, à ses constituants mêmes : peinture, toile, châssis, geste. La peinture dans son acception classique devient le mode d'expression d'une nouvelle génération. L'acte de peindre redevient jubilatoire et les artistes se cristallisent autour d'une relecture de leur identité sensible et culturelle. La postmodernité a donc signé l'abandon de la recherche formelle au profit d'une réappropriation des formes du passé. Ainsi à la fin des années 60, les œuvres de Joan Mitchell évoluent de façon très significative. Elles sont devenues plus légères visuellement et considérablement plus élégantes. “Autumn mist”, un triptyque réalisé en 1976 nous invite à nous attarder sur ce qui chez Mitchell fixe ce qu'on peut appeler “l'inspiration” picturale, la facture par le traitement de ses gestes spontanés, la réalisation chromatique innée de son énergie. On est ici frappé par l'élégance et la distinction naturelle qui émanent de nombreuses années de pratique, de l'histoire même de l'artiste, de ce qu'elle appelle son “feeling” notamment lorsqu'il s'agit de nature, une nature généreuse de couleurs laiteuses et poudrées, absorbées par les taches -parfois étirées- végétales, éparses aux tons automnaux. Ce triptyque offre véritablement à rencontrer ses “feelings” plus qu'à les admirer passivement. “Manhattan”, réalisé trois ans plus tard en 1979, montre une structuration de la matière plus “sage” et ordonnée. Ici, la lumière irradie mais n'offre aucune précision sur l'état d'âme de Mitchell lorsqu'elle réalisa cette toile. Heureuse ou malheureuse la lumière sera toujours présente dans ses tableaux, ici les teintes jaunes jouent avec le défilement gris-bleuté des nuages sur les toits. En 1987, elle réalise “Tooth Paste”. Cette œuvre est résolument plus expressionniste. L'artiste ici se mêle aux forces de la nature et agit comme “milieu” afin que sa création soit acceptée de la même manière que l'on accepte les phénomènes naturels. Ici son art capte le sens créatif de la nature et c'est pour cela qu'il défie malgré tout, une abstraction totale et absolue.