Kenneth Noland Immingle Acryl auf Leinwand. 250 x 270 cm. Mit Atelierleiste gerahmt. Rückseitig auf dem Keilrahmen zweifach signiert, datiert und betitelt 'IMMINGLE 1976 Kenneth Noland', sowie mit Maßangaben, Richtungspfeilen und Hängeskizze. - Mit leichten Altersspuren. Provenienz Galerie Wentzel, Hamburg (mit rückseitigem Aufkleber); Rheinische Unternehmenssammlung Die streng geometrischen Kompositionen von Piet Mondrian gehören ebenso wie die vibrierende Farbbehandlung im Werk von Henri Matisse und die poetisch-zarten, halbabstrakten Gemälde Paul Klees - Künstler, mit denen er sich während seines Studiums und seinem Aufenthalt in Paris auseinandersetzt - zu den wichtigsten Inspirationsquellen für Kenneth Noland. Technisch wird für ihn 1953 ein Besuch im Atelier von Helen Frankenthaler maßgeblich, er übernimmt ihre Technik, sehr dünnflüssige Farbe auf ungrundierte Leinwand aufzubringen, so dass transparente, unregelmäßige Strukturen entstehen. Um 1958 Jahre schlägt Noland mit seinen Kreisbildern eine neue Richtung ein, die für ihn wegweisend sein wird. Die konzentrischen Kreise sind teils klar voneinander abgegrenzt, teils weisen sie einen freien, gestischen Farbauftrag auf. Die Hinwendung zu den chevrons, also keilförmigen Balkenformen, markiert Anfang der 1960er Jahre den Beginn der straight-edge-Malerei in seinem Werk. Die Kompositionen entfernen sich von der ursprünglich perfekten Balance innerhalb eines quadratischen Bildgrundes und lassen die Formen freier ausgreifen. Erstmals nutzt Noland nun shaped canvases - Diamant- und Rautenformen, die den gemalten Keilformen entgegenkommen. Ab 1966 findet er nach den freihändig gemalten früheren Formen in der Werkgruppe der Streifenbilder zu scharf gezogenen Konturen und experimentiert jetzt mit unterschiedlich dick- oder dünnflüssigem Farbauftrag, um die optische Präsenz der Farbe zu variieren. Die Streifenbilder, die teils extreme Querformate aufweisen, entstehen aus großen, auf dem Atelierboden bemalten Leinwandbahnen, die der Künstler im Anschluss beschneidet, um eine endgültige Komposition für das jeweilige Werk zu finden. Dieses Verfahren nutzt er auch in den ab Mitte der 1970er Jahre entstehenden, gänzlich unregelmäßigen Bildformaten, zu denen auch das hier angebotene „Immingle“ zählt. Wenige Jahre zuvor hatte Noland erstmals plastisch gearbeitet. Die Erfahrung mit den asymmetrischen, dreidimensionalen Formen geben wohl den entscheidenden Impuls, um sich auch auf dem Gebiet der Gemälde von den tradierten Bildformaten zu lösen, die Noland schon länger als einengend empfunden hatte. „Immingle“ wird dominiert von einem warmen Braun, das durch den dünnen Farbauftrag auf der ungrundierten Leinwand eine zarte, lebendige Struktur erhält. Es bildet gleichsam den Fond für die hellen Streifen, die wie Strahlen die äußeren Bereiche der Bildfläche durchschneiden. Sie balancieren die Komposition optisch aus und verleihen dem Werk eine außerordentliche Leichtigkeit. „Noland's search for the ideal Platonic form has crystallized into an art in which color and form are held in perfect equilibrium. The spare geometry of his form heightens the emotional impact of his color. The rational and the felt, distilled form and sensuous color intermesh to create a magic presence.” (Diane Waldman, in: Kenneth Noland. A Retrospective, Ausst.Kat. The Solomon R. Guggenheim Museum, New York 1977, S.36). NB Kenneth Noland Immingle Acrylic on canvas. 250 x 270 cm. Framed in studio frame. Signed, dated, and titled 'IMMINGLE 1976 Kenneth Noland' (twice) verso on stretcher and with dimensions, directional arrows and hanging sketch. - Minor traces of age. Provenance Galerie Wentzel, Hamburg (label verso); Corporate Collection, Rhineland Piet Mondrian's strong geometrical compositions, the vibratory colouration in the works of Henri Matisse and the poetically delicate, half-abstract paintings by Paul Klee - artists he explored during his studies and stay in Paris - can all be classed as Kenneth Noland's most important sources of inspiration. A visit to Helen Frankenthaler studio in 1953 was a decisive moment for him, technically; he adopted her technique of applying thin paint to unprimed canvas, so that transparent, irregular structures emerge. In 1958, Noland took a new direction with his circle pictures, one that would be groundbreaking for him. The concentric circles are at times clearly separate from each other, while others show a free, gestural colour application. The turn to the chevron, wedge-shaped beams, marked the start of his straight-edge paintings in his work of the early 1960s. The compositions move away from the originally perfect balance within a square picture ground, allowing the forms to sprawl out more freely. For the first time, Noland uses shaped canvases - diamond and lozenge shapes, which accomodate the painted wedge shapes. From 1966, after the early freehand-painted forms in the striped picture group, he came upon sharply drawn contours and experimented now with various thick or thin applications of paint, in order to vary the optical presence of the colour. The stripe pictures, some exhibiting extreme horizontal formats, are created from large canvas strips painted on the studio floor, which the artist then trims in order to discover the final composition for the respective work. He also uses this process in the completely irregular picture formats he created from the mid-1970s, to which the present work "Inmingle" also belongs. Just a few years earlier, Noland had worked sculpturally for the first time. His experience with asymetrical, three-dimensional forms probably give the deciding impulse to disengage himself from the area of traditional picture-format painting , which Noland had long regarded as constricting. "Inmingle" is dominated by a warm brown which is given a delicate, lively structure by the thin paint on the unprimed canvas. It forms, so to speak, the base for the light stripes that cut through the outer areas of the picture surface like rays. They balance the composition optically and lend the work an extraordinary lightness. "Noland's search for the ideal Platonic form has crystallized into an art in which color and form are held in perfect equilibrium. The spare geometry of his form heightens the emotional impact of his color. The rational and the felt, distilled form and sensuous color intermesh to create a magic presence.” (Diane Waldman, in: Kenneth Noland. A Retrospective, exhib.cat. The Solomon R. Guggenheim Museum, New York 1977, p.36).