Martin BARRÉ « 60-T-25 », 1960 Huile sur toile signée en haut à gauche, contresignée, titrée et datée au dos 96 x 90 cm Provenance : - Collection Martineau - Galerie Jacques Barbier, Paris - Collection particulière Expositions : - « Martin Barré », Musée des Beaux Arts de Nantes, 1989 - « Martin Barré », Musée des Beaux Arts de Tourcoing, 1989 - « Martin Barré », Galeries des Ponchettes et d’Art Contemporain du Musée de Nice, 1990 Bibliographie : - « Martin Barré », catalogue de l’exposition itinérante de 1989-1990, reproduit pleine page couleur page 45 - « Martin Barré des années 50 aux années 80, la voie abstraite », Liliana Albertazzi, Galeries Magazine n°19, 1987, reproduit - Sera reproduit dans le catalogue raisonné de l’œuvre de l’artiste en préparation sous le direction d’Ann Hindry et Yves-Alain Bois « … Les couleurs primaires sont réintroduites, comme dans ce tableau aux si fermes assises et d’allure cézanienne « 60-T-25 » par son dessin même et la réduction des teintes, sorte d’abstraction d’une Sainte Victoire tirée de son milieu. C’est justement une exigence accrue de distance, à la fois symbolique et physique, qui s’instaure à ce moment dans les tableaux de Martin Barré et ce n’est sans doute pas par hasard si certaines œuvres de 1960 paraissent si proches d’allusions figuratives avant leur complète disparition… » Marc André Stalter C’est en 1960, à l’âge de 30 ans, que Martin Barré aborde la partie la plus «spirituelle» de son œuvre, la plus radicale aussi et d’une modernité intemporelle. S’il garde les yeux ouverts sur son temps, il ne se laisse pas inféoder aux dogmes et s’éloigne des modes. Comme tout artiste inspiré qui voit au-delà des choses, il ne se fie qu’à lui-même, à sa pensée et à son désir d’aborder l’art par son versant le plus pur. Personnalité impersonnelle, Martin Barré fait la part belle aux blancs, au blanc de la préparation tel qu’on le trouve chez le marchand. Blanc dur, virginal que le temps modifiera en le «cassant» sans le détruire. Espace libre à l’intérieur d’un format carré, le moins allusif possible où la couleur sera le véhicule de l’espace. Gardiennes d’un anonymat pictural, les toiles ne sont désignées que par leur millésime suivi de la majuscule «T» pour toile et d’un chiffre (ici 25), numéro d’ordre qui cependant n’est pas forcément celui de la réalisation. Jusqu’au numéro 28, ses toiles seront peintes au couteau et la couleur directement sortie du tube appliquée par pression de la main. Cette expansion du blanc est la caractéristique du travail de Martin Barré comme l’exclusion de toute notion de forme ou de couleur naturaliste. Propos pictural strictement abstrait d’où sont exclues les interprétations métaphoriques ou allusives, ce qui, dès cette époque le situe loin de la Seconde École de Paris. Peinture totale hors référence au sujet, à l’objet et à l’espace de la réalité. L’assise du tableau s’exprime par l’introduction de couleurs primaires, la réduction des teintes, un dessin rigoureux, qui font de cette œuvre de 1960 une sorte d’abstraction de la «Sainte Victoire» que l’on aurait extrait de son milieu. Plus la surface peinte se restreint et plus le geste s’impose. Tableau comme refus du pathétique, de l’exhibitionnisme, où tout se joue entre l’économie de moyen et le contrôle de la syntaxe. Bien que la ligne ne soit pas dure et, que le geste par sa désinvolture apparente apparaisse comme impersonnel, on sent un acharnement à inscrire les vibrations du sensible et de l’imprévu. Cette composition révèle toute l’originalité et la pensée de Martin Barré. Les formes ici sont pénétrées par le fond qui ne joue plus, comme chez les autres peintres le rôle de plan sur lequel les formes vont s’inscrire mais devient un élément compositionnel majeur. Le fond devient forme. La forme est pénétrée par le fond et le fond est pénétré par la forme, l’un et l’autre existent sur le même pan et avec la même importance. Le fond s’exprime tel qu’il est donné, sans aucune modulation, «l’absence» apparaît alors comme plus présent que la présence. On a souvent reproché à Martin Barré de ne pas peindre la toile et de se contenter de sa préparation blanche «il laisse la toile». «Non, je ne laisse rien. Je la montre». Cette monochromie est un espace, mais plus étendu où se glissent des ombres inverses ou contre-formes. Ainsi l’architecture de cette œuvre de 1960 se dynamise-t-elle au point d’atteindre un monumental sans masse. Le vide définit l’espace, il est une composante de l’œuvre. Blanc, vide, ont un rôle fonctionnel, celui de concentrer l’attention du spectateur sur l’essentiel. L’absence va donc être un élément «philosophique» majeur, dans la mesure où Martin Barré considère que ce qui n’est pas peint par l’artiste peut se montrer plus présent. À cette composition «mystérieuse», «janséniste», «spiritualiste» on pourrait appliquer cette phrase de Mies Van Der Rohe «moins c’est plus».